Amahí Camilla Saraceni

Cette formation est née d'un besoin professionnel. Beaucoup de spectacles pluridisciplinaires nécessitent d’articuler des compétences de jeu et de danse. La capacité d’improvisation et de composition instantanée sont des disponibilités qui font la différence parmi les interprètes et les créateurs. Jouer, danser, performer, chanter exige d’être force de proposition.

Aude Lachaise en collaboration avec Gilles Nicolas propose de partager avec des artistes interprètes professionnels son processus de travail.

Faire parler les gens, faire danser à partir de cette simple question : "Qu'est-ce que vous aimez ?". Chacun répond à cette question. Ces récits après avoir été travaillés, sont mis bout à bout et chorégraphiés. Ils construisent un univers riche et protéiforme comme la valorisation d’un patrimoine commun recréé : sport, danse, musique, recette de cuisine... Le champ doit rester vaste.

L’accent est porté sur l’échange de cette culture individuelle au sein du groupe. Chacun est force de proposition et subit l’influence des autres. Les participants reçoivent et diffusent dans une dynamique à la fois concentrique et excentrique.

Il s’agit là de convoquer un monde, un univers propre à chacun, un récit de vie, un langage, une gestuelle par les seuls moyens de l’interprète.

L’improvisation et la composition nécessitent des processus spécifiques.

Ce travail demande d’être à la fois créateur et interprète. Les participant·es peuvent ainsi, pratiquer, développer leurs savoir-faire et leur employabilité et nourrir leur univers artistique.

Compétence visée :

La capacité d’improvisation, de composition. Améliorer ses compétences en danse et en jeu et son rapport au public. Savoir utiliser la danse pour mettre en relief un récit autofictionnel, se mettre au service du spectacle, de ses partenaires et de la mise en scène.

Objectifs du stage :

• Développer un univers personnel.
• Être conscient de sa présence, de sa qualité d’être.
• Savoir apprendre une chorégraphie,
• Créer sa propre gestuelle pour apporter un imaginaire supplémentaire.
• Être capable de travailler en improvisation puis de peaufiner la proposition tout en gardant la spontanéité.
• Allier l’expression orale et dansée de façon organique.
• Créer une relation avec le public.
• Faire groupe et corps pour soutenir une proposition individuelle et collective.
• Être disponible et efficace pour faire spectacle, se laisser diriger.
• Utiliser la situation telle qu'elle est comme matière de travail, savoir travailler dans un temps restreint avec peu d'artifices.

Dans cette formation il s’agit avant tout de pratiquer son métier et d’utiliser sa propre matière comme élément constitutif d’un spectacle.

Comment déployer l’oralité, son jeu – physiquement et vocalement.

Comment convoquer l’espace dans lequel se joue le récit sans scénographie par la seule présence du corps,

Comment créer son contenu textuel, sa physicalité et enfin la mettre au service d’une composition d’ensemble.

Expérimenter la manière dont l’urgence oriente les partis pris, s’habituer à choisir vite une ligne artistique et l’explorer jusqu’au bout.

Utiliser le corps dans sa force poétique, illustrative, humoristique.

Créer des espaces avec le corps et les mots.

Faire tomber le quatrième mur sera la modalité de jeu explorée. En effet le choix de la vulnérabilité comme mode de jeu, comme type de relation égalitaire avec le public est un choix esthétique et politique. Les questions « C'est quoi parler au public ? » « Ça fait quoi? » « Ça dit quoi? » « Comment toucher à l’universel à partir de mon expérience personnelle » seront au cœur de la formation.

Être drôle mais pas à tout prix, être vivant surtout, spécifique dans sa façon de raconter, jouer, danser. Choisir d’être vulnérable pour créer du lien, de la coopération.

Et puis surtout être ensemble, dans un même temps et lieu, capable de contribuer à une forme composite cohérente, faite de la somme de nos individualités.

Il s’agit d’une pratique non pas d’observation de soi-même mais au contraire celle-ci consiste en cela de se laisser observer.

La formation se déroulera autour du processus pédagogique  de quatre éléments définis ci-dessous.

L’apport pratique ainsi que la rencontre avec la recherche et le processus de création de l’intervenant seront développés tout au long du stage. Ce déroulé est communiqué à titre indicatif et pourra évoluer au cours du processus de travail. La formation se terminera par l’évaluation du stage et des acquis des stagiaires.

I) Présentation du stage

Présentation de la formation par Amahi Saraceni ,directrice artistique et pédagogique du Théâtre de Léthé à Paris - Collectif 2 et des intervenants.

Point sur les démarches administratives et l’organisation logistique de la formation.

Présentation du lieu qui nous accueille, de sa démarche et du partenariat avec les intervenants.

Aude Lachaise et Gilles Nicolas introduiront le sujet en présentant leurs parcours, leur collaboration et les raisons qui les poussent, par le biais de la transmission, à partager leur expérience et leur pratique.

Ils exposeront le déroulé et la progression pédagogique en corrélation avec ses objectifs ainsi que la perspective de mise en jeu permettant l’évaluation des acquis.

Il reviendra sur les enjeux du stage.

Présentation des stagiaires.

Chaque séance de travail comprendra échauffements, training, travail du corps et de la voix. Ce travail quotidien formera un tronc commun. Des matières performatives commenceront à émerger et des méthodes de travail à s’identifier dans lesquelles nous pourrons puiser lors de la mise en scène.

Tout au long du chantier, le travail proposé par Aude Lachaise interrogera les enjeux suivants : comment être spécifique et individuel ensemble ? Comment utiliser la danse et le jeu, et tout autre compétence personnelle acquise (violon, chant, BMX, cuisine, jeux vidéos..), sans complexe, au profit de l’ici et maintenant.

Comment le récit intime et la chorégraphie peuvent-ils interagir ensemble, se superposer et ne pas s’annuler ?

Cette coordination se fera parfois dans le corps même du performeur.euse. Parfois c'est dans le corps collectif formé par cette petite troupe que la parole individuelle trouvera des résonnances dansées.

Comment tour à tour être soliste puis servir dans le groupe.

Un monologue sera élaboré à partir d’une question simple et générale comme : qu’est-ce que tu aimes ? Les stagiaires exploreront progressivement cette question oralement et physiquement jusqu’à identifier et creuser le sillon d’une ligne personnelle et spécifique, détaillée, jusqu’à extraire un point de vue inattendu. Le travail au plateau permettra d’exercer et d’écrire les langages qui nous intéressent ici : le langage corporel et le langage verbal de manière fluide et non séparée.

Ce processus de travail ouvre des champs qui permettent de développer la créativité́ et de trouver un style personnel.

À partir d’exercices corporels, de phase d’apprentissage chorégraphique, d’improvisation, de composition individuelle et collective, les stagiaires travailleront les possibilités qu’offrent les différentes situations abordées sur le plateau.

• Aude Lachaise et Gilles Nicolas mettront en scène les différents monologues des stagiaires dans une forme cohérente en relevant les motifs sémantiques, spatiaux ou physiques des différents monologues. Les motifs chorégraphiques seront identifiés et développés pour servir la création d’un corps commun, écrin pour les solos.
• Mise en place des séquences : les solos travaillés jusqu’alors seul seront intégrés à une proposition de groupe où le corps sera la ligne de conduite.
• Présentation le dernier jour du stage de la forme aboutie auprès de publics amis

En amont du stage les stagiaires rencontrent Aude Lachaise, Gilles Nicolas ou Amahi Saraceni, directrice pédagogique afin de définir avec elle leurs attentes et leurs besoins.

Présentation collective en début de stage. Tour de table des attentes des stagiaires.

Suivi de présence et d'assiduité. Signature feuille de présence.

Échange régulier et personnel des intervenants avec chaque stagiaire au cours de la formation.

Puis deux méthodes d’évaluation sont mises en place :

En fin de stage, retours collectifs des intervenants et des stagiaires sur la qualité et le déroulé du stage, nous détaillons avec tous les acquis et les manques.

Un compte rendu est rédigé par l’assistant suite au bilan formulé à l’oral et à chaud par les stagiaires le dernier jour de la formation par écrit.

Après le stage, une demande par mail sous forme d’un googleform est envoyée à chaque participant pour les interroger sur l’impact du stage dans leur vie professionnelle, en quoi il a facilité leur travail, que ce soit de manière directe (proposition de travail à l’issue du stage, rencontres déterminantes, etc.) ou indirecte (est-ce que la formation a facilité leur façon d’aborder le travail artistique, la rencontre, et comment).

Tous les retours sont recueillis et collectés ; ils permettent à notre organisme de formation d’améliorer sans cesse ses pratiques et de garder un contact avec eux.

MATÉRIEL THÉATRE DE LA BASTILLE (prêt)

Liste (non exhaustive) du matériel qui peut être prêté par le théâtre de la Bastille :

Lumières : PC 1000, découpes 714, découpes 614 (+ une iris), découpes 613 (avec porte gobo), pinces bols, pieds, PAR 64 CP 61, Pronlong 15*10m, 10*20m, triplettes, platines

MATÉRIEL THÉÂTRE DE LÉTHÉ À PARIS - COLLECTIF 2 PLUS

Liste (non exhaustive) du matériel qui mis à disposition par le Théâtre de Léthé :

Son : 1 Console son, 1 micro Shure 55SH avec pied, 2 boitiers V-1 Shure, 1 Beta 87 avec pince, 1 cellule WL 185 Shure, 2 récepteurs Senhaiser, 4 boitiers Senhaiser (émetteurs HF), cellules : 2 DPA 4060 (noires), cellules : 1 MkE Senhaiser (chair), cellules : 3 DPA (chair), cellules : 2 DPA (chair) avec adaptateurs (un DPA est sans bonnette), cellules : 1 WL 85 HS, cellules : 1 WL (cellule), Récepteur SHURE  MK2 R7

Récepteur SHURE MK2 R7 deux unités, récepteur EM 3032 double x 2 (4 canaux au total), 2 émetteurs shure mk2, 2 capsules shure (grosses), 1 capsule shure petite, 1 micro main émetteur Beta 87, 2 micro K 184, 2 enceintes, 1 ampli et câbles.

Amplificateur pour les HP MAudio x 2, Cables 2 *20 m (+ 2*20m si, enceintes ampli + module). Prolong : 20 de 10m.

Les interprètes sont toujours au centre, il ne s’agit pas de faire des effets de réalisation mais d’être au plus près de leur jeu.